STATEMENT

“Nel mio lavoro pittorico, sono accompagnato dalla musica e dalla natura. Il dipinto è stato realizzato circondato dai boschi del Trentino, da candidi paesaggi innevati, dal contrasto tra il silenzio dell’ambiente montano e la tensione sincopata della musica jazz. Porsi sul filo di una lama. Vivere il momento in equilibrio tra due condizioni emotive opposte creando un profondo stato di tensione, che può farti cadere nel vuoto-pieno ai lati, oppure resistere su quel limite e vedere che cosa accadrà. Essere spontanei nella non spontaneità: non senso, paradosso. Da lì può nascere una fiamma. È come vivere una sorta di momento dadaista in cui si sperimentano contemporaneamente due condizioni opposte e dove tutto non ha alcun significato ma lo ha allo stesso tempo. Spingere lo spirito al limite del caos, passando attraverso una tempesta e alla fine ritrovare l’esatto, unico nell’intero Universo, equilibrio. È sofferenza e gioia nello stesso preciso istante. Spontaneo nella non spontaneità. Possibile (?).”

Nelle sue opere Francesco Manetti riunisce tutto ciò che assimila nella vita di tutti i giorni, tanto in termini visivi ed uditivi quanto emotivi. Questo costante groviglio di elementi è da lui astrattamente tradotto e sintetizzato visivamente in immagini volutamente non figurative, ma visivamente poetiche. Codici e mappature del mondo circostante sintetizzate in emozioni stratificate che diventano gesto e colore. Delicatezza e gesto rude. Il richiamo della bellezza, attraverso il colore, componendo per contrasto. È la ricerca dell’equilibrio tra ordine e caos che lo spinge a creare dipinti. L’artista lavora principalmente con la pittura acrilica su tela, preparata con un primo strato di stucco, il quale rappresenta un vero e proprio primo passo nella realizzazione dell’opera d’arte. Lo stucco rende la tela una superficie più lavorabile che può essere scolpita, rigata, consumata: è come conferirle un “primo livello di anima”. Le opere acquisiscono poi gli altri “livelli dell’anima” con una stratificazione di più strati, dove ognuno di essi rappresenta un passo diverso nel completamento dell’opera: una intricata combinazione di colori, segni e graffi che va a comporre l’unico e definitivo corpo dell’opera.

STATEMENT

“In my pictorial work, I am accompanied by music and nature. The painting was created surrounded by the forests of Trentino, by white snowy landscapes, by the contrast between the silence of the mountain environment and the syncopated tension of jazz music. Put yourself on the edge of a blade. To live the moment in equilibrium between two opposite emotional conditions create a deep state of tension, that can let you fall into the empty-full on the sides, or resist on that edge and see what will happen. To be spontaneous into the non-spontaneity: non-sense, paradox. From there is where a flame can arise from. It’s like to live into a sort of dadaist moment where You at the same time experience two opposite conditions and where all hasn’t any meaning but has it at the same time. To push the spirit at the limit of chaos, passing through a storm and at the end find the exact, unique in the entire Universe, equilibrium. It’s suffering and joy at the same exact moment. Spontaneous in the non-spontaneity. Possible (?).”

In his artworks Francesco Manetti brings together everything that he assimilates in everyday life, both in visual, auditory and emotional terms. This constant tangle of elements is abstractly translated and visually synthesized by him into images that are deliberately not figurative, but visually poetic. Codes and mappings of the surrounding world summarized in layered emotions that become gesture and color. Delicacy and rude gesture. The call of beauty, through color, composing by contrast. It is the search for the balance between order and chaos that drives him to create paintings.

The artist mainly works with acrylic painting on canvas, that is prepared with a first layer of plaster that represents a real first step in the creation of the artwork. The plaster makes the canvas a more processable surface that can be carved, ribbed, consumed: it’s like to give it a “first level of soul”. The artworks then acquires the other “soul’s levels” with a stratification of multiple layers, where each one of them represents a different step in the completion of the work: an intricate combination of colors, marks and scratches that goes to compone the unique and final body of the opera.